INTRODUCCIÓN
En la
década que va de 1935 a 1945, años en que se incuba el expresionismo abstracto,
entre los intelectuales norteamericanos lo nuevo se hallaba representado por la
búsqueda del conocimiento del yo interior y del análisis de las motivaciones
conscientes e inconscientes del comportamiento humano. El expresionismo
abstracto nace cuando una joven generación de artistas se encuentra en Nueva
York para discutir sobre el futuro del arte, sobre el arte americano, sobre la
esencia del artista y sobre sus motivaciones. Todos los action painters
(pintores de acción, el grupo de artistas que trabaja en Nueva York en torno a
1945) maduran su poética sus obras entre 1942 y 1950. El sustrato común reside
en la búsqueda de un mayor conocimiento de si mismo y en la posibilidad de
expresar la complejidad del individuo mediante formas nuevas: una sustancial
abstracción emotiva (de ahí la definición), formada por manchas de color de
efecto violento con colores fuertes, de grandes fondos cromáticos, pone de
manifiesto la buscada analogía entre obra e individuo, entre objeto y sujeto.
ORIGEN
El
expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la
abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores
a la segunda guerra mundial. La formación de este movimiento se debe en buena
medida a los surrealistas. Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, la casi
totalidad del movimiento surrealista (surrealismo) se
exilio en Nueva York.
Entre los exiliados estaban algunos de los pintores surrealistas más
importantes: Max Ernts, Roberto Matta, Salvador Dalí y André Masson. Estos pintores tuvieron como sede de sus
actividades artísticas la galería neoyorkina “Art of This Century”. Esta
galería fue abierta en 1942 por la coleccionista Peggy Guggenheim (que entonces estaba casada con Ernts)
para que los artistas exiliados tuvieran un centro donde mostrar su obra. Esa
presencia de artistas europeos de vanguardia ejerció una gran influencia entre
los pintores norteamericanos, especialmente entre los jóvenes artistas
neoyorquinos, muchos de los cuales expondrían con el tiempo en la galería de Peggy Guggenheim. La teoría y práctica surrealistas liberó a
esos artistas de los moralismos y dogmatismos artísticos imperantes en
Norteamérica, y les hizo descubrir la estimulante libertad de la creación
espontánea. Surge así la vigorosa escuela de Nueva York,
caracterizada por una pintura “subjetiva” de gran libertad expresiva, que si
bien al principio contiene elementos figurativos (fase mítica), acabará por
prescindir totalmente de ellos (fase gestual). Debido a las distintas
concepciones expresivo-plásticas que conforman este movimiento, en el año 1952,
el crítico Harold Rosenberg utiliza el término de “action painting” (pintura
de acción) para definir mejor el enfoque común de la mayoría estos artistas: la
importancia dada al proceso o acto de pintar por encima del contenido. Otras
denominaciones que también recibe este movimiento son las de “abstracción
pictórica” y la de “nueva pintura americana”
CARACTERISTICAS
Pueden
señalarse como características formales de este estilo, en primer lugar, su
preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con óleo sobre lienzo.
Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No
obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo
figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning. Las
telas presentan un aspecto geométrico que las hace diferentes de movimientos
precedentes, como el surrealismo. Una
de las características principales de los expresionistas abstractos es la
concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la
superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del
cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre
las distintas partes de la tela. El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y
negro, así como los colores primarios:
magenta, amarillo y cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a
prácticamente un solo color, estaban ya anticipando el arte minimal. Este tipo de cuadros, con violentos trazos
de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el
conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que
surgieron estas obras.
AUTORES
-
Jackson Pollock
El action
painter principal y pionero
de este movimiento es Jackson Pollock (1912-1956). Se le relaciona con el surrealismo en la medida en que su obra pictórica se basa en el «automatismo»,
en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que
tienen lugar en el interior del artista. Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA (Washington Project for
the Arts) y pintó bajo la influencia de Picasso. Pero en el caso de
Pollock, hubo otras fuentes de inspiración añadidas. Así, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Igualmente, la obra del muralista Siqueiros.
Pollock extendía la tela, normalmente sin
tratar, sobre el suelo, y corría o danzaba a su alrededor y dentro de ella,
derramando la pintura de manera uniforme. Pollock no trabajaba sobre el lienzo sino, muchas veces, metido en él, mediante la técnica del dripping. Popularizó esta
técnica de tal manera que el dripping se asocia inmediatamente a la obra y
persona de Jackson Pollock.
El dripping consiste en dejar gotear o chorrear la
pintura, desde un recipiente con el fondo agujereado. De esta manera pintar no
era algo que se hacía con la mano, sino con un gesto de todo el cuerpo. Las
grandes telas se llenaban por todos lados, de manera uniforme, de color en
forma de manchas e hilos que se mezclaban. El pintor añadía goteos más finos
realizados con un bastoncillo mojado en pintura. Pollock comenzó a usar esta
técnica en el año 1947, año en el que precisamente participó en la
última exposición en la galería Art of this Century.
-
Willem de Kooning
Willem de Kooning (1904-1997) realiza obras más figurativas que las de Pollock, siendo algo
intermedio entre la figuración y la abstracción. A partir de 1946 pintó abstracciones de figuras biomórficas. Su obra se
centró en representar primero la figura masculina, dedicándose, desde 1950, a su serie más conocida, Mujeres.
Recurría a colores primarios intensos y vivos, sirviéndole el blanco y el negro para dar toques que
realzan las figuras. Sus pinceladas eran violentas, aplicando la pintura de
manera totalmente impulsiva.
-
Clyfford Still
Clyfford Still fue
otro de los artistas que en los años treinta, trabajó en la WPA. Su estilo fue
haciéndose progresivamente más abstracto. Su estilo de madurez está dominado por cuadros de fondo negro. Y, sobre él, aparecían unas líneas verticales de contorno irregular, como
si fueran una especie de llamas, de colores vivos: amarillo, naranja o blanco.
-
Franz Kline
Por lo que se refiere a Franz Kline
(1910-1962), trabaja mediante brochazos. Lo mismo que Pollock, su gama
cromática es reducida, prácticamente monocroma: el negro, el blanco y el gris azulado. Optó por anchas franjas negras ejecutadas
mediante vigorosos brochazos sobre superficies blancas. Eran ampliaciones de
detalles de sus propios dibujos.
-
Robert Motherwell
Negro y blanco son también colores
predominantes en la obra de Robert Motherwell. A veces realiza obras en forma
de collage. Fue
moderando el automatismo surrealista de su obra hasta situarse en un punto
intermedio entre el gesto abstracto y la fragmentación figurativa, siendo su
obra una síntesis de la action
painting y la pintura de
campos de color. Su serie más famosa es la Elegía a la República Española,
comenzada en 1949 y formada por cerca de 150 cuadros; está
inspirada por la guerra civil española, pero no por su significado político sino, sobre todo, como metáfora del erotismo y la muerte. Fue, además, un pensador que contribuyó a
divulgar la obra de la primera generación de expresionistas abstractos.
-
Esteban Vicente
Esteban Vicente (1903-2001) conjugó el
postcubismo con el expresionismo abstracto. Sus lienzos destacan por la
luminosidad. Busca el orden a través del color y de composiciones sencillas y
equilibradas. Evita al máximo las formas, incluso las líneas, obvia el dibujo
para concentrarse en la pintura. Su paleta es reducida y combina los colores
cálidos con los fríos, pero siempre opacos y luminosos. Son personales
composiciones cromáticas sobre estructuras vagamente geométricas que el mismo
llamó "Paisajes Interiores".
-
José Guerrero
José Guerrero (1914-1991) es uno de
los pintores españoles más reconocidos de la Escuela de Nueva York, donde
comprenderá que la pintura se reduce a los acontecimientos cromáticos que se
producen en la superficie del lienzo. El cuadro no es, por tanto, una
representación de nada ajeno al propio lienzo, sino un campo en el que se
ordenan o contraponen formas y colores. El problema de la pintura se sintetiza,
pues, en lograr una disposición de elementos plásticos de tal manera que ésta
sea un imán para la mirada.
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